По традиции первые числа июля — время кутюрных показов, на которых выставляются лучшие из лучших модных домов, сумевшие удержаться на сегодняшнем рынке и приспособиться к новым правилам игры. Правда, пандемия внесла свои коррективы, и Федерация высокой моды приняла решение перенести место действия шоу на экраны.
28 брендов, 28 историй в видеоформате и ни одного ответа на вопрос «зачем?». Зачем вообще нужна Неделя высокой моды в самый разгар эпидемии, если всем, мягко сказать, не до нее (а уж и правду говоря — никому и нет дела). Напрашивается сравнение с пушкинским «Пиром во время чумы». Мы тоже захотели красоты и иллюзии под названием «ничего нет». Мы тоже захотели отстраниться от происходящего в мире в надежде на то, что красота спасет мир. Получилось ли? Рассказывает Стефан Рабимов – американский журналист, модный критик и эксперт по развивающимся рынкам, контрибьютор The Huffington Post, Forbes, BuzzFeed, Haute Living и Observer, США., модный критик и эксперт по развивающимся рынкам, контрибьютор The Huffington Post, Forbes, BuzzFeed, Haute Living и Observer, США.
«Если вы не можете приехать в Париж, тогда Париж едет к вам!» — пожалуй, этот лозунг может стать заглавным для кутюрной коллекции Dior. Правда, формат передвижной выставки далеко не новый: подобное испробовали модельеры еще в послевоенное время, создав передвижной Théâtre de la Mode и представив наряды в треть человеческого роста.
Историю под названием Le Mythe Dior наших дней было доверено писать режиссеру Маттео Гарроне,
По сюжету «ящик Пандоры», в нашем случае — сундук с миниатюрными нарядами Dior, отправляется в путешествие по заколдованному лесу, а клиентками бренда становятся мифические существа: русалки, нимфы и даже девушки-улитки.
Dior Haute Couture осень-зима 2020 — одна из самых зрелых и продуманных коллекций Марии Грации Кьюри, которые она когда-либо создавала для модного дома. 37 образов — тот самый пример, когда и невозможное возможно.
Все миниатюрные копии были созданы по образу и подобию — с точным совпадением количества складок, скрытыми бюстье и миниатюрной фурнитурой. Тема «заколдованного леса» была раскрыта за счет вышивок с микробусинами и узоров цветочных лепестков, визуально создающих эффект многослойности.
Переосмыслила Мария Грация и знаковое платье от Dior, вручную сконструировав плиссировку из кринолина, добавив к образу несколько слоев оборок и сделав акцент на талии в виде корсета.
Ролик нового шоу уже в первые часы показа собрал более 3,5 миллионов просмотров. Правда, и здесь не обошлось без своей ложки дегтя: обвинения в «неправильном» кастинге и отсутствии темнокожих моделей в видео тут же посыпались на голову дизайнера.
Армия Оливье Рустена ринулась в бой самой первой. Еще до официального старта Недели высокой моды дизайнер со своей командой отправились в путешествие по Сене, зрителями которого могли стать миллионы людей по всему миру: в социальной сети TikTok Оливье запланировал аж двухчасовую трансляцию! Все прошло не так удачно: сначала пропал звук, а потом исчезла и картинка. Зато в Париже, на огромной барже, где и разместились танцевальный коллектив из 50 человек, девушки в десятках нарядов из кутюрной коллекции и певица Yseult, было все идеально.
Идеальной была и сама коллекция, в которую вошли не только новые наряды от Оливье Рустена, но и винтажные платья от основателя бренда Пьера Бальмена, а также тех, кто был после, — Эрика Мортенсена и Оскара де ла Ренты.
Как и ожидалось, в новом шоу мы не увидели ничего «сверх». Все те же мини на грани фола, все тот же power suiting, который удачно вписывается в концепцию сильной и независимой героини модной истории, все те же барочные вышивки и декор и все тот же черно-белый цвет с изысканными лацканами, которые уже давно стали знаковыми для модного дома. Красиво? Да. Впечатляюще? Тоже да. Можно ли назвать это ретроспективой кутюрного модного дома с 75-летней историей? Пожалуй, нет. Разве что с очень и очень большой натяжкой.
А вот в отсутствии инклюзивности Рустена даже если и захочется обвинить, сделать это будет невозможно. «Сегодня я художественный руководитель бренда. Будучи наполовину эфиопом и наполовину сомалийцем, я наглядно показываю разницу между сегодняшним днем и прошлым. Вы можете проследить эволюцию не только через одежду, но и как изменился мир в целом. Я думаю, что это своеобразное сообщение надежды, что мы сделали это вместе», — заявляет дизайнер и выпускает моделей всех рас на свою импровизированную дискотеку, ориентируясь на инновационный дизайн и поиск новых способов самовыражения, которых, правда, мы так пока и не увидели.
Collection Imaginaire, пожалуй, самая интересная история из всех представленных в рамках Недели высокой моды. Это история ни о чем: о том, чего, в принципе, и нет. Это история об идее, которая, возможно, когда-нибудь воплотится в жизнь. Это история, которая позволяет проникнуть в самую суть мира моды — процесс создания образов новой коллекции.
Маска, пустынные улицы большого города, не менее пустынный парк, лавочка и одинокий мужчина, который в уединении рисует образы будущей коллекции. Вполне сойдет за сюжет для какого-нибудь постапокалиптического фильма или сериала, но никак не fashion-ролика, рассказывающего о чем-то возвышенном и прекрасном.
«Коллекция, которая могла бы быть» — четкое следование традициям модного дома с богатой и немного абсурдной историей. Нашлось место в образах новой коллекции и иконографии животных, главным из которых на этот раз выступает собака. Будь то присборенное платье (ассоциация с шарпеями) или куртки с кисточками на манер комондоров — буквально все напоминало о глубокой привязанности самой Эльзы Скиапарелли к фауне. Знаковые принты в виде глаза расположились на платьях, украшениях и аксессуарах.
Каждый образ зарисовки можно отчетливо рассмотреть: Дэниел Розберри снабжает скетчи четкими выразительными деталями в виде объемных рукавов или S-образных форм.
И хотя не все из отрисованных образов новой коллекции будут воплощены в реальные наряды, команда Schiaparelli еще раз доказала на личном примере, что воображение — главный двигатель прогресса, который не остановят ни природные катаклизмы, ни мировые локдауны.
Пока многие из дизайнеров тщательно обходят стороной насущную повестку дня, Виктор Хорстинг и Рольф Снорен смело заявляют, что их новая коллекция посвящена непростому времени. Если быть точнее, тем эмоциям, с которыми нам пришлось научиться жить во время пандемии. Новая коллекция — 9 образов, поделенных на три блока, каждый из которых отражает определенную эмоцию: тревогу, сомнения, а также любовь (и надежду).
Еще в самом начале своей карьеры дизайнеры провозгласили кутюр собственной площадкой для экспериментов. Однако на этот раз как таковых явных экспериментов мы не увидели. Дизайнеры намеренно отказались от утрированно концептуальных идей в пользу игривых, легкомысленных и понятных большинству образов. Единственный наряд черного цвета с огромными шипами выглядел как броня среди воздушных образов, как бы напоминая нам о необходимости защиты от внешних факторов.
Символично и то, что каждый лук сопровождал закадровый голос, который давал подробную информацию об идее и истории создания образа, перенося мир от-кутюр через экраны в каждый дом. Кроме того, описательный фактор — некое мета-заявление и напоминание, насколько далеко мы ушли от изначальной интимности кутюрных шоу.
Каждая часть коллекции передавала свое настроение через определенные детали, формы и цвета. Так, тревога воссоздавалась через плотные ткани, четкие линии и темные оттенки; отсылками к сомнению стали асимметрия и не сочетающаяся друг с другом палитра цветового спектра; а любовь — через кружево, мягкие фактуры и вышивки в виде сердец. Нетрудно заметить, что главный прием, который используют дизайнеры, — объемные силуэты, доведенные до гротеска с помощью различных вставок, например огромных бантов и пушистых глубоких карманов, сердец, расположившихся на манер нимба, или шляп, будто снятых с фокусников. Зачем? Объяснение напрашивается само собой: если вы забыли о социальном дистанцировании, одежда вам этого сделать никак не позволит. Глубокая мысль, которая к тому же получила и логичное оформление в стиле Viktor & Rolf.
«Любовь побеждает все», — прокомментировал закадровый голос третью часть коллекции, выполненную в розовых тонах с использованием воздушных материалов. И это, пожалуй, лучшее напоминание всем нам, для чего и существует вообще этот мир в целом и мир моды в частности. 
Пожалуй, меньше всего над визуальным оформлением думали в Chanel: белоснежный фон и танцы моделей. Сама коллекция посвящена эпохе вечеринок и «больше вдохновлена Карлом Лагерфельдом, нежели Габриэль Шанель». Как признается дизайнер дома Виржини Виар, создавая образы новой коллекции, она думала об «эксцентричных принцессах» Карла Лагерфельда, которых часто можно было заметить с ним в Le Palace.
Chanel — тот самый пример, когда, раз встав на нужные рельсы, уже не сходишь с них никогда. Каждая коллекция модного дома — плюс-минус одни и те же твидовые костюмы и скромные по дизайну платья до колена. Никакой загадки, никакого «вау» — все предсказуемо и, увы, ожидаемо. Да и саму коллекцию haute couture можно с трудом отличить от ready-to-wear. Лишь декоративные детали из бисера и свойственные кутюру от Chanel вышивки возвращают нас в мир высокой моды.
Что же мы увидели на этот раз? Классические твидовые комбинации «юбка + пиджак», макси-платья, декорированные цветочными орнаментами, мини для шумных вечеринок и бурных ночей, сложные миди с перьями и бахромой, а также пальто с асимметричными разрезами. Нашлось место в образах и наследию Марии-Антуанетты, которое можно проследить в панье, манжетах-крыльях, буфах на плечах и квадратных вырезах. Кутюрность же коллекции — в деталях: переливающихся каменьях, аппликациях, составленных из мерцающих цветов, хрустящих пышных кантов и сложных вышивок, одна из которых — в виде мальтийского креста — отсылает к наследию Кристиана Лакруа. 
Aganovich
Дизайнеры концептуального бренда Aganovich совместно с художником и режиссером Эриком Хэком решили дальше всех пойти по пути диджитализации и заменить привычных реальных моделей их визуальными прототипами, сделав ставку на сюрреалистическую графику. Так возникла идея двухминутного видео Le Grand Cirque Aganovich, наполненного отрывистым звучанием и долгими тревожными паузами.
Три любимых цвета дизайнерского дуэта Брука Тейлора и Наны Аганович — белый, красный и черный — стали основными и на этот раз. Фон презентации варьировался от белоснежного до кровавого, а источником вдохновения стали внутренние детали гардероба в виде корсетов и подъюбников.
Без каких-либо сложных сочетаний, кутюрных техник и богатого декора дизайнеры бренда показывают нам другой мир высокой моды. Мир силуэтов, аллюзий и ассоциаций, оставляющий за каждым огромный простор для воображения и позволяющий самим строить свою моду. А что это будет — белые тренчи или куртки из кроваво-красного бархата, выполненные на манер жокейских, — выбор за вами. 
От Александра Вотье всегда ждешь «чего-то такого». Такого, что захватывает дух, а его экстрамини на грани фола решится надеть лишь самая смелая героиня. Не подвел дизайнер и на этот раз, представив новую коллекцию, буквально пронизанную духом Франции.
Вотье смело смешивает разные эпохи и направления, ловко миксуя поистине невозможное — 30-е и 40-е годы с 80-ми. Его рок-богини кружатся в вихре танца в одеяниях из золотой ткани ламе, пока другие выбирают шелковые наряды с высокими вырезами до талии или смокинги, которые эффектно смотрятся в паре с бермудами.
Кстати, о брюках: добрая половина коллекции не привычная нам эффектная роскошь платьев от Alexandre Vauthier. Брючные комплекты прочно заняли свое место, тем самым еще раз обозначив сближение мира ready-to-wear c модой haute couture. Правда, если учесть, что все, начиная от смокингов и заканчивая галифе и капри, было расшито золотой нитью, можно и опустить навязчивую мысль о вымирании кутюра.
Мини без бретелей, сложные многоуровневые наряды, которые придутся как нельзя кстати на красных ковровых дорожках, прозрачные одеяния, напоминающие конфетную обертку, а также асимметричные мини, украшенные перьями и оборками, и бархатный наряд с подкладкой из изумрудного атласа — глядя на наряды от Alexandre Vauthier, невольно задаешься вопросом: «Куда в период пандемии можно будет «выгулять» подобное?» Или же дизайнер решил посмеяться над нами, еще раз напомнив о том беззаботном времени танцев и вечеринок, которое мы так не ценили?
Презентация длилась рекордные 20 секунд. Но даже их хватило, чтобы сполна ощущать тот ритм и вайб, который хотел донести до нас дизайнер. Хотя бы один дизайнер решил развлечься на полную, забыв обо всем. Как говорится, живи мгновением.
Iris Van Herpen
Айрис Ван Херпен, как никто другой, знает о силе современных технологий и способности мира digital изменить всю индустрию до неузнаваемости. Поэтому нарочито минималистичная осенняя работа, состоявшая всего лишь из одного платья, смотрится по меньшей мере странно, а по большей — заставляет задуматься, что же повлияло на решение команды, равных которой в использовании креативных методов нет, сотворить подобное. Зато на хайпе сыграли безупречно. За основу взяли нашумевшую картину «Игра престолов», доверив представить единственный наряд коллекции нидерландской актрисе Кэрис ван Хаутен, которая исполнила роль Мелисандры в сериале.
Как оказалось, задумка дизайнера проста. «Нам бы хотелось отойти от привязки к количеству», — заявляет сама Айрис Ван Херпен, именно поэтому Transmotion, вдохновленная работами нидерландского художника Маурица Эшера, включает в себя одно-единственное платье из белоснежной органзы.
Transmotion — переход из одного состояния в другое, являющийся прямой аллюзией на происходящие события в мире, когда один шаг ведет за собой другие, которые и становятся в итоге историей. Само же платье напоминает цветок с лепестками из плиссированной органзы, сердцевиной, которая была вырезана лазером, и пыльцой, состоящей из черных кристаллов. Это своего рода целый процесс, отражающий сущность вещей с помощью креативного языка модного мира. Из маленьких черных бусинок через прозрачные стебли и черные ветки до скульптурных листьев, создающих хрупкий объем, — процесс становления и переход сложно проследить, но конечный результат точно не может остаться без внимания.
В каждой работе Iris Van Herpen всегда контраст: контраст мастерства и инноваций, природы и технологий. Не обошлось без противостояния и на этот раз: мягкое плиссе звучит антиподом графическим элементам, а черное соперничает с белым.
Неофициальной целью видео уже было провозглашено «подсознательное уважение к своим корням». Это своего рода попытка дизайнера найти новые способы «договориться» с природой, тем самым встав на путь sustainable fashion, более бережно относясь к ее потребностям и нуждам. Не это ли нам всем сейчас нужно?
Guo Pei
Китаянка Гуо Пэй проснулась знаменитой в мае 2015 года: за плечами дизайнера уже тогда были 18 лет беспрерывной работы в одноименном кутюрном бренде, но именно то желтое платье с огромным шлейфом и сложными ручными вышивками, в котором появилась Рианна на ежегодном балу Института костюма Met Gala, сделало знаменитым дизайнера на весь мир.
Главная особенность творческого мира Guo Pei — в сочетании китайских народных и европейских традиций дизайна с первоклассными техниками и новаторскими идеями, которые наряду с гипертрофированной и возведенной в культ детализацией позволяют сполна оценить возможности и размах Guo Pei.
Гуо Пэй продолжает тенденцию, которую задали многие из дизайнеров, принявших участие в Неделе высокой моды в этом сезоне, — запечатлеть творческий процесс создания коллекции. За основу взяли воспоминания о поездке в Национальный музей естественной истории в Париже, «оживив» животных саванны (именно такое название и получила вся осенне-зимняя коллекция) благодаря использованию трехмерной вышивки и войлочной шерсти.
Эта коллекция — трибьют самым энергичным и могущественным животным в саванне: слонам, гепардам, зебрам и жирафам, фигуры которых появлялись то на черном платье (гепард), то на жакете с бахромой (жираф), а то и на топе малинового оттенка, на котором примостилась голова зебры. Отдельной похвалы заслуживает мастерство исполнения, которое происходит в пекинском ателье дизайнера, где маленькие пучки шерсти с помощью ручных вышивок и впервые испробованной техники «пробивания» иголками превращаются в четко детализированных животных.
«Мода — искусство, а именно оно выводит людей за пределы своей реальности», — в одном из интервью призналась Гуо Пэй. Вот только не у всех это получается — создавать нечто недосягаемое в поисках утраченной красоты. По крайней мере, Гуо Пэй выбрала правильный путь, с которого, хочется верить, она уже не сойдет несмотря ни на что.
Читайте также: Какими будут Недели моды в будущем?