Украинское искусство последних 100 с небольшим лет – это огромный пласт исторических, политических и социальных событий, которые нашли свое отражение в культуре. В условиях постоянного пребывания в чужеродных государственных структурах вопрос национальной идентичности украинского искусства остается предметом постоянных дискуссий. Но одно можно утверждать наверняка: период 1900-2017 годов подарил миру десятки удивительных авторов и направлений – от супрематизма до наива, от остросоциальной фотографии до трансавангарда.
Вместе с видеолекторием WiseCow мы рассказываем об основных процессах и знаковых событиях в украинском искусстве за 100 лет. В первом материале речь шла о периоде с 1910 по 1940-е года, сегодня - с 1950-х по 1980-е.
1950-е
Самое важное событие 50-х годов во всей культурной жизни страны – это конец культа личности Сталина. О бесконечной смене культурного пантеона в художественных кругах до сих пор ходит много анекдотов: например, существует история о грузинском художнике, который сначала написал на берегу моря Сталина, Бухарина, Луначарского и Берию. Затем развенчался культ Бухарина – он зарисовал Бухарина, потом пришлось зарисовать Луначарского и Берию. А в конце концов зарисовал и самого Сталина, и остался лишь морской пейзаж. Это очень характерно описывает ситуацию, в которой художник находился в те десятилетия. Художник был ремесленником, который по заказу государства создавал определенные картины и скульптуры. Художник шел на компромисс с совестью, а взамен получал социальную защиту, мастерские и достаток.
Вторая особенность 50-х годов – роман народного и коммунистического. Именно в этот период появляется выхолощенный образ Тараса Шевченко, который превращается в символ советской пропаганды, а национальный романтизм превращается в псевдонациональный: мол, Шевченко был в первую очередь против царя и панов, а не за независимость Украины.
Одновременно с заигрыванием с национальным романтизмом на Западной Украине продолжает жить и развиваться модернизм. Территория, которая позже вошла в состав Советского Союза, больше напоминала провинцию бывшей Австро-Венгерской империи, совершенно не кровавой по своей натуре. В эти годы во Львовском институте декоративного и прикладного искусства преподает Роман Сельский. Он учился в Париже, где его преподавателями были Амеде Озанфан и Александра Экстер. Его импрессионистские, сюрреалистические работы впечатляют цветами и композицией. Сложно поверить, что во время написания этих полотен Сталин еще был жив.
1960-е
Шестидесятые, как и во всем мире, прошли в Советском Союзе под знаком свободы, эксперимента и веры в политические сдвиги. Мы знаем этот период как «оттепель». Железный занавес немного приоткрылся, и украинские художники увидели современное искусство благодаря нескольким выставкам, которые в начале 60-х проходили в Советском Союзе. Одна из них, в частности для республик, – творчество Джексона Поллока.
Чем важны 60-е для всемирной истории? Это первый человек в космосе и на Луне. Именно в этот период советские люди открывают для себя научную фантастику, космическое измерение, начинают мечтать о звездах. Космическая тема заменяет для многих бытовые проблемы и, конечно, вдохновляет украинских художников.
Тема космоса ярко отражалась в монументальном искусстве, в частности мозаиках, которые совсем недавно собирались декоммунизировать. Но благодаря этому они привлекли внимание общественности к своему существованию. Монументальное искусство конца 60-х – 70-х годов ведет диалог с монументальным искусством предыдущих десятилетий, в том числе с уничтоженными элементами авангарда и «бойчукизмом». А это значит, что советской власти не удалось полностью стереть память об эстетике предыдущих десятилетий.
Как и бойчукисты, современные монументалисты тоже подверглись цензуре и репрессиям. Например, Алла Горская – художница, которая была убита в 1970 году. До сих пор ее смерть связывают с КГБ, потому что Горская была также и активной диссиденткой. Трагедия на всю жизнь оставила след в сердце ее мужа, еще одного выдающегося украинского художника, Виктора Зарецкого. Их совместные работы в основном находятся в Донецке и Мариуполе. По мозаикам можно изучать много социологических вещей: место женщины в обществе, человеческие идеалы и любовь к темам космоса.
Цензуру того времени может проиллюстрировать история с огромным барельефным панно художников-монументалистов Ады Рыбачук и Владимира Мельниченко. В 1967 году главный архитектор Киева предложил им поработать над оформлением территории, где находится крематорий на Байковом кладбище. 13 лет художники работали над созданием многометрового панно «Стена памяти». Наконец, когда все было воплощено в жизнь, приехали машины и полностью залили работу бетоном.
Уже в 1967 году появляется неофициальное украинское искусство нонконформизма – в Одессе проходит знаменитая Заборная выставка, когда художники Сычик и Хрущик вывесили на некоторое время свои работы на заборе. Их очень быстро уничтожили, но здесь важен первый прецедент запрещенной выставки и самостоятельная интервенция в публичное пространство.
А в Закарпатье в 60-х становится популярной уже узнаваемая эстетика корнепластики. Для этого стиля характерны органические формы, которые напоминают корни растений. Такая техника разрешает художнику в реалистическом произведении перейти в абсолютный нефигуратив и проигнорировать необходимость следовать канонам.
1970-е
В 70-х годах появляется один из главных феноменов украинского искусства – «Харьковская школа фотографии». Все началось с группы «Время», которая образовалась в 1971 году. В нее вошли Борис Михайлов, Олег Малеваный, Александр Супрун, Евгений Павлов, Юрий Рупин, Геннадий Тубалев, Александр Ситниченко. У каждого была своя тематика и форма. Единственное, что было общим каноном, – снимки должны были соответствовать принятой группой «теории удара», то есть быть авангардными по форме, будоражить общественное мнение.
Затем каждый из художников начинает идти в своем направлении, формируются другие группы со своими особенностями и темами. Например, самый известный в мире украинский художник Борис Михайлов занимался документальной фотографией. Его снимки остросоциальны и оттого так интересны западному зрителю. Еще десять лет назад сложно было представить, что художник в Советском Союзе изображает не что-то идеальное или романтическое, а маргинальное, но фотографии харьковских художников полны скепсиса к тоталитарной идеологии и пропаганде.
Например, Роман Пятков совмещает порнографические фото и пропагандистские плакаты, а Евгений Павлов – автор серии «Скрипка», в которой впервые в Советском Союзе была изображена мужская обнаженная натура.
Как и многие харьковские фотографы той школы, он также занимался «анонимной фотографией»: художники искали снимки на блошиных рынках, в архивах заводов и других учреждений, которые снимали отчеты с праздников, субботников и других мероприятий. Работая с архивами, они поднимали очень важную тему об индивидуальности и личности жителей Советского Союза.
1980-е
Наконец-то в 80-х уже можно абсолютно уверенно говорить о присутствии в украинском контексте двух искусств: искусства официального и искусства нонконформистского, которое боролось с официозом и пропагандой. Мы будем говорить о трех направлениях, которые повлияли на современное украинское искусство, каким мы знаем его сейчас.
Всё новое художественное движение, как вспоминают художники того периода, происходило в Москве. Именно там, благодаря украинским художникам, сформировался гиперреализм, который называют синонимом фотореализма. Это реальность, которая никогда не существовала, симуляция и иллюзия реальной жизни. Одними из самых активных участников этого поколения были три художника из Киева: Сергей Базылев, Сергей Гета и Сергей Шерстюк. В Москве их называли «художники Киевского вокзала», потому что они работали, учились и проводили время в Москве, но постоянно ездили домой.
Портрет поколения 80-х – это одесские концептуалисты. Эти художники имеют неоднозначную «национальность»: они были молодой ветвью московского концептуализма, но одновременно принадлежат к украинскому искусству. Это еще одно поколение, которое зависло между контекстами.
«Я рубль Игорь Чацкин» Игоря Чацкина считают первым концептуалистским произведением в истории современного украинского искусства – это уже то искусство, которое вообще не предусматривает эстетического доминирования. Очень часто концептуализм выступает оппонентом советской эстетики, будто насмехаясь над страной, которая уже постепенно начинает умирать на их глазах.
Подобная идея очевидна в перформансе «Они нам ответят за это» Леонида Войцехова, который состоялся в 1984 году. Художники вышли на улицы Одессы, заваленные деревьями из-за урагана, с плакатами «Они нам ответят за это» – такой была их реакция на стихийное бедствие, в результате которого город остался без электричества и водоснабжения. Когда участников задержала милиция и спросила: «Кто «они»?» – им ответили: «Силы природы». А в 1987 году в сквере Пале-Рояль прошли акции «В два счета» и «Разведка художественных залежей», в ходе которых художники швабрами отмывали сад от коммерческого искусства и теодолитами разведывали и измеряли залежи искусства настоящего.
Работа, которая разделила украинское искусство на «до» и «после», – знаменитая «Печаль Клеопатры» Арсена Савадова и Георгия Сенченко. Ее часто называют иконой украинского трансавангарда. Представители этого движения вдохновлялись философией постмодернизма и категорически не хотели жить в тотальной серьезности советского общества. Они просто хотят жить, радоваться, веселиться и заниматься широкоформатной живописью в своих сквотах, которые они создают совместно и в них живут. Вместе с Сенченко и Савадовым создавать свои культовые работы начинают Александр Ройтбурд, Олег Голосий и Александр Гнилицкий.
Когда это поколение попало в Москву, которая еще оставалась центром, то российское искусство серьезно взволновали украинские трансавангардисты. Это были первые серьезные конкуренты московского концептуализма с совершенно другого крыла, с крыла живописи, откуда никто не ожидал никаких сюрпризов. О художниках много писали и называли южнорусской волной. Сегодня мы привыкли к определению «новая волна», или просто «трансавангард».
В этот же период творил художник, которого, к сожалению, не замечали и не воспринимали всерьез. Федор Тетянич был городским блаженным, представлялся гостем с других планет и одевался в невероятные костюмы, в которых делал ситуативные перформансы на художественных открытиях или просто на улице.
Все это напоминало флюксус, то есть искусство, которое трудно ухватить, которое является бесценным в этой своей скоротечности, но при этом очень последовательно в выполнении.