Украинское искусство последних 100 с небольшим лет – это огромный пласт исторических, политических и социальных событий, которые нашли свое отражение в культуре. В условиях постоянного пребывания в чужеродных государственных структурах вопрос национальной идентичности украинского искусства остается предметом постоянных дискуссий. Но одно можно утверждать наверняка: период 1900-2017 годов подарил миру десятки удивительных авторов и направлений – от супрематизма до наива, от остросоциальной фотографии до трансавангарда.
Вместе с видеолекторием WiseCow мы рассказываем об основных процессах и знаковых событиях в украинском искусстве за 100 лет.
Конец XIX – начало XX века
Для художественных процессов на грани столетий были характерными две черты: доминирование позднего академического искусства в форме передвижничества и появление модерна. Передвижники – это представители движения, которое пришло из Российской империи и занималось своего рода «популяризацией» академического искусства. Эти художники устраивали передвижные – отсюда и название – выставки за пределами больших городов и на этом этапе часто изображали романтизированный быт, деревенскую жизнь и другие картины из жизни «простых людей». Одним из представителей украинского искусства этого течения был художник Николай Пимоненко, он стал одним из основателей национальной реалистичной школы. Его работы можно найти в лучших мировых галереях, включая Лувр.
В это же время существовала совершенно противоположная социально-критическая линия в виде искусства модерна, которое возникло в Европе на стыке 1880-х и 1890-х и распространилось под локальными разновидностями. В одних странах это было ар-нуво, в других – сецессия. Большое влияние на украинское искусство оказала именно сецессия в ее венском варианте, поскольку часть Украины находилась в составе Австро-Венгерской империи. В этом направлении мало острых углов, прямых линий, очень много морфологии, которая напоминает растительный мир. В мировом искусстве наиболее известные представители – Антонио Гауди и его сюрреалистические архитектурные линии, живопись Густава Климта. В украинском искусстве модерн ярко воплотился в архитектуре: все знают Дом с химерами Владислава Городецкого. Менее известен проект Василия Кричевского – один из первых архитектурных ансамблей в стиле модерн, Дом Полтавского земства.
В изобразительном искусстве одним из самых интересных художников того периода был Александр Мурашко – автор, который сформировался между Киевом, Петербургом, Парижем и Мюнхеном, который привез в Украину энергетику постимпрессионизма и модерна. Мировое признание автор получил с картиной «Карусель»: ей досталась золотая медаль на Мюнхенской международной выставке. После этого художник получил множество приглашений из европейских городов: Берлина, Вены, Парижа, Амстердама, Мюнхена, Венеции. Но в 1919 году Александр Мурашко трагически погиб при непонятных обстоятельствах: его нашли недалеко от собственного дома на Лукьяновке застреленным в затылок. Наиболее вероятна версия убийства советской милицией, но в тогдашней прессе написали «был ограблен и убит бандитами».
Конец века – это всегда время тревоги. В конце XIX и в начале XX века экзистенциальные художественные тревоги вылились в декаданс. В Украине его олицетворяет Всеволод Максимович, работы которого созданы в определенном диалоге с произведениями Врубеля. А вот его картина «Поцелуй» отсылает к одноименной работе Климта. Полотна Максимовича стали одними из самых ярких в стиле сецессии, но путь к признанию при жизни оборвал сам автор. В 20 лет Всеволод Максимович покончил жизнь самоубийством, то ли после длительной депрессии, то ли от несчастной любви, то ли после алкогольных и наркотических экспериментов. За свою короткую жизнь он успел сняться в футуристическом фильме «Драма в кабаре футуристов» и оставить много работ, часть из которых находится в коллекции НХМУ.
В 2007 году в Нью-Йорке состоялась выставка «Перекресток. Модернизм в Украине, 1910-1930», которая и открыла для широкого художественного мира работы Максимовича, – так автор наконец получил заслуженное внимание публики и критиков.
1910-е
В 1910-х годах на арену украинского искусства выходит авангард. Вместе с ним из Европы приходит и множество других течений, художественных экспериментов и направлений. Именно в этот период Марсель Дюшан создает свой знаменитый писсуар, который повлияет на все будущее искусство XX века. В это же время живет и работает Казимир Малевич. Художник, который ставит перед нами миллиард вопросов, но два из них – принципиально важные. Первый – более «приземленный», заключается в том, какой национальности сам Малевич и к художникам какой страны его следует относить. И в теме украинского искусства этот вопрос, до эпохи независимости, будет касаться очень многих авторов. Казимир Малевич – художник, который родился в Киеве, был этническим поляком, сформировался как автор в Российской империи и к национальной идентичности имел очень условное отношение.
Второй важный вопрос о Казимире Малевиче – это природа, содержание и смысл его «Черного квадрата», произведения, которое до сих пор служит маркером, с одной стороны, любви, а с другой – тотального непонимания современного искусства. На самом деле «Черный квадрат» является частью очень большой философской практики Малевича, эволюции, которая прошла путь от фигуративного к абстрактному искусству и назад к фигуративному. «Черный квадрат» стал символом поиска какой-то новой иконы в мире, который менялся. Тут стоит обратить внимание на то, что «Черный квадрат» впервые экспонировался на выставке «0,10» в 1915 году в так называемом красном углу, где в традиционных крестьянских домах располагались иконы. В то же время работы, которые сочетают Малевича-космиста и Малевича-украинца, – это второй крестьянский цикл. Он был создан в то время, когда Малевич работал в Киеве, и есть версия, что именно украинская эстетика народного искусства, местный колорит и пейзажи и вдохновили Малевича на создание этих работ.
В контексте украинского авангарда невозможно не упомянуть еще и Александра Архипенко, художника, который родился в Украине, сформировался в Париже и очень много лет прожил в США. В отличие от Малевича, Архипенко декларировал, что в своем творчестве вдохновлялся и обращался к украинской эстетике: его скульптура прямо отсылает к скифским и половецким бабам.
Георгий Нарбут – автор культовых еще и в социальном плане вещей. Именно он создал украинскую азбуку 1917 года, банкноту УНР номиналом в 100 гривен, которая была в употреблении с 1918 по 1921 год. Нарбут также создал дизайн печати Украинской академии искусств, которая была создана в 1917 году. Академия становится эпицентром художественной жизни: сюда приезжают преподавать легенды авангарда, вроде Татлина и Малевича. Тут идет постоянный поиск и стремительное развитие украинского искусства, которое прерывается трагическими событиями 1930-х годов.
1920-е
На дворе 1920-е: наступает пора конструктивизма, который мы знаем по архитектурным проектам. В этот период случается массовая индустриализация, а города вынуждены справляться с прибывающими потоками людей. Конструктивизм выдвигает свой ответ на повальную урбанизацию в виде уникальной, специфической архитектуры. Главной обителью конструктивизма становится Харьков, который с 1919-го по 1934-й год был столицей УССР. Символом Харькова было здание Госпрома – шедевр, с которым множество современных художников до сих пор ведут диалог.
Но кроме архитектуры есть и художественная сфера – говоря о ней, нельзя не упомянуть художника Василия Ермилова, харьковчанина, известного своими графическими работами. Он был ниточкой, соединяющей Харьков 20-30-х годов и новый авангардный поиск, который случился после свержения культа Сталина в середине 50-х.
Еще одной каноничной фигурой того времени был Анатоль Петрицкий – один из ведущих деятелей украинского театрального авангарда. Его знаменитая работа «Инвалиды», которая экспонируется в Национальном художественном музее, воспроизводит эпоху депрессии и поиска в период после Первой мировой войны, революции и гражданской войны, которая опустошила в том числе и Украину. Первая мировая война для искусства своего времени была невероятным стрессом и шоком: одна из самых страшных войн, которые до этого знало человечество, первая война, где применили технику массового уничтожения, где человек почувствовал свою ничтожность перед убийством машинами. Это не могло не повлиять на эстетику того периода.
1930-е
После революции очень многим художникам казалось, что именно в этом новом обществе удастся воплотить идеалы того нового искусства, о котором они давно говорили в теории, – поэтому они идут на сотрудничество с властью. Художники пропагандируют идеи социализма в монументальном искусстве, в плакатах, тканях, сервизах. Происходит очень сильная диффузия авангарда и официального советского художественного дискурса. Но искусство 1930-х – это уже искусство эпохи, когда дружба между государством и художественным авангардом понемногу подходит к концу.
Историю террора стоит начать с художника-монументалиста Михаила Бойчука. Мало кто знает о его участии в Венецианской биеннале и знакомстве с Пикассо – сегодня его больше ассоциируют с расстрелянным украинским возрождением и монументальным искусством. Произведений художника почти не осталось: весь круг Бойчука истребили в 30-е годы, а его работы уничтожались даже в следующие десятилетия.
От фамилии художника образовалось новое художественное направление – «бойчукизм». В его основе – «артельность», то есть коллективная работа, и возвращение к историзмам: Михаил Бойчук в своем творчестве обращается к искусству Византии и Киевской Руси.
Еще в 20-х годах Ленин сказал, что «искусство должно быть понятным, принадлежать народу и объединять чувство, волю и мнение масс». А уже в первой половине 30-х годов появляется официальная доктрина соцреализма. Главным заказчиком, адресатом и потребителем искусства соцреализма было государство. Оно рассматривало культуру как средство агитации и пропаганды. Следующие десятилетия господствующим культурным героем становится лауреат Сталинской премии, которая превращается в некий мандат доверия художнику.
Но одновременно с идеальными пролетариями и вождями существует некий парадокс по имени народное искусство. В период, когда за то, что художник неправильно изобразил доярку, он мог попасть в концлагерь, появляется Мария Примаченко. Все герои Сталинских премий – это обычно суровые мужчины, бескомпромиссные в своем коллаборационизме с государством.
А она – простая женщина из украинской деревни. Но искусствоведы считают, что ее личность не такая простая, как нам кажется. В 1936 году она начала жить в Киеве, вдохновляться музейными экспонатами и постоянно находилась в сильном художественном поле общения. Ее работы не просто яркие картины, но диалог простонародной и изобразительной традиций.
1940-е
Арт 40-х годов, так или иначе, был травмирован и находился под влиянием Второй мировой войны. В этот период продолжается господство официозного сталинского искусства: к идеальным работникам и колхозникам добавляется тема возвращения к мирной жизни и агитационные плакаты. Большинство имен художников мы не помним, но Татьяну Яблонскую, которая начинает творить в этот период, не упомянуть невозможно. Именно она в течение многих десятилетий будет играть принципиальную роль в развитии всей украинской изобразительной традиции.
Для Яблонской репрессии 37-го года и авангард были совершенно другим поколением. У нее не было травмы переживания краха предыдущего утопического проекта и репрессий. Ее воспитание – это патриотизм военных лет. Культовая работа художницы «Хлеб» написана в 1949 году – и именно за нее Яблонская получила Сталинскую премию. Репродукция «Хлеба» украшала чуть ли не каждое советское жилище на календарях и плакатах. Эта картина идеально передает основную тему искусства 40-х годов: показать тяжелый труд и радость от окончания войны.
Но одного направления в искусстве какого-то периода не существует: параллельно с соцреализмом и пафосом развивается наив. Наивное и не наивное искусство – довольно условное разделение, ведь многие европейские художники тоже не имели профессионального образования, но «наивными» их не называют. А вот рядом с именем Екатерины Белокур всегда будут стоять слова «наивное и декоративное искусство». Ее творчеством можно восхищаться хотя бы потому, что художница достигла мастерства самостоятельно – у нее не было ни друзей-художников, как у Примаченко, ни академического образования, как у Яблонской.
Екатерина Белокур ни дня не ходила в школу, не говоря уже о художественной академии. Позже она стала членом Союза художников. Ее выставки проходили во многих городах, в том числе и в Париже, где ее работами восхищался Пикассо.
Лектор: Алиса Ложкина