В 2018 году украинская современная художница Анна Звягинцева во второй раз стала победительницей Премии PinchukArtCentre с серией работ, которые исследуют привычки человека. Художница поместила в выставочное пространство собранные за несколько лет росчерки, которыми люди расписывают ручку перед покупкой в канцелярских магазинах. Эти действия Анна называет «коллективным бессознательным рисованием». Росчерки художница выполнила из графитного листа — чрезвычайно тонкого и хрупкого материала. По условиям конкурса Анна Звягинцева как победительница вошла в список номинантов международной премии Future Generation Art Prize — 2019 и будет вместе с остальными 20-ю художниками, вошедшими в шорт-лист, представлять свой проект на 58-й Биеннале современного искусства в Венеции. Мы встретились с Анной до отъезда, чтобы расспросить ее о творчестве, новом проекте и том, как меняется жизнь художника после получения премии.
Аня, расскажи, пожалуйста, о своем творческом методе и объектах исследования последнего времени.
Меня интересует рисунок. Не только как материал, но и как тема для исследования. Анализируя рисующее движение собственной руки, путь линии, я отслеживаю, как “рисуется мысль”. Идея рисования связана с очень ясной формой проявления того, как человек думает. В какой-то момент что-то может зацепить и уже не отпускать, держать, пока не закончу работу.
Я размышляю, почему именно это привлекло мое внимание. Какая-то тема начинает преследовать меня повсюду — в кино, в чтении, на улице, в случайных разговорах. Это бывает довольно утомительно. Я беру то, что уже есть в жизни, и, меняя материал, размер, придаю этому художественную форму, а потом с помощью институции представляю результат зрителю. На самом деле путь между “вещью из жизни” и “выставленным объектом” очень короткий.
Часто художественный объект начинает работать, только когда перед ним появляется зритель. Например, взаимодействовать через масштабное соотношение с человеческой фигурой, с телом самого зрителя. Темы моих работ — скрытое, незаметное, сложнофиксируемое и сложноописуемое движение, а также рисунок мысли, внимание к процессу, а не к результату, к следованию по избранному или вынужденному пути.
С творческим методом и тем, что тебя волнует, разобрались. Какой из своих проектов ты считаешь наиболее емким и точным в разрезе личного художественного высказывания?
Каждый раз это последняя работа, сейчас это проект “Декларация о намерении и сомнении”.
Проект “Декларация о намерении и сомнении” будет представлен на выставке Future Generation Art Prize в рамках Биеннале современного искусства в Венеции этой весной. Расскажи о нем более подробно.
Это трехканальная видеоинсталляция, видео длится 7 минут 15 секунд. Три экрана — на них прожектор, перформерка в луче света и сцена, показанная общим планом. Работа обо мне, о некой структуре моей мысли.
Есть намерение, уверенность в том, что и как должно быть сделано, но в какой-то момент, возникает сомнение, и только оно открывает путь к действию. История в фильме рассказывается в четырех сценах. Вначале луч (фигура, направляющая прожектор) проявляет свою волю, луч как указка в руках божества диктует, куда двигаться, перформерка спокойно следует за лучом, но в какой-то момент начинает ускользать от его контроля и проявляет собственную волю — и тогда они меняются ролями ведущего и ведомого. Движения становятся хаотичными. Теперь луч сомневается и теряется, он еще пытается все контролировать, исправить и следить, но попытки бесполезны — луч гаснет. Однако действие не окончено. Перформерка ждет. Луч включается — и они синхронно, примерившись друг к другу, проводят ровную линию.
Мытье пола в проекте — это реальный материал "из жизни": самый обыденный, рутинный, незаметный жест, результат которого тут же исчезает, — и тогда нужно начинать все заново. Мытье — то же рисование, оно оставляет мокрый след, который высохнет и даже не будет полностью увиденным. След от тряпки — рисующая линия, но самого рисунка-результата мы в конечном итоге не видим. Луч и перформерка говорят о процессе, движении и "рисующей мысли".
Результат – это побочный продукт мышления. Планируемый, конкретный, определенный результат – невозможен. Факторы, которые сделают результат именно таким, непрозрачны, неразличимы друг для друга. Смена заданных ролей приводит к состоянию блуждающего сознания, нереализованной потенции, “бесполезного возможного”. Не делая якобы ничего, мы думаем по-настоящему. Это манифест концентрации на себе, движения мысли, в которой всякий продукт является по сути побочным, а всякая цель – промежуточной. Манифест антиэффектности.
Но можно проследить как действия луча и перформерки создают определенный рисунок. В начале это плавная линия, затем хаотичные, нервные, быстрые линии, затем пауза, как будто рука зависла над листом бумаги: “что дальше? закончена ли работа? нет?” – и ровная линия в конце.
Сцена как четкая область с границами для действия (она отождествляется с листом бумаги) скрыта от взгляда. Ее не видно в темноте, но ее границы держат все действие, не давая ему развалиться. Результат – не рисунок, важен сам процесс выявления руководства власти, сопротивления колебаний.
Работа стала именно такой благодаря команде, которая со мной работала. Это Катерина Горностай, Александр Рощин, Лина Романуха, Дмитрий Ковалёв, Андрей Нидзельский и многие другие. В день съёмок стало страшно, ведь в съемочном процессе задействовано гораздо больше людей, чем я предполагала
Наверняка у тебя есть ряд художников и деятелей культуры, к которым ты испытываешь пиетет. Расскажи, пожалуйста, кто эти люди и почему об их творчестве и художественном наследии нужно знать?
Я уважаю многих художниц и художников, но нет имен, которые я всегда вспоминаю. Назову тех, с кем недавно разговаривала, читала их книги или просматривала их работы в каталогах или в интернете. Это Тиберий Сильваши, Дора Маурер, Ева Гессе, Джон Кейдж, Франсуа Жюльен – книга о китайской живописи.
Есть ли в твоей жизни ментор, который дает тебе советы, направляет и вдохновляет в творчестве?
Вначале я прислушивалась и советовалась с семьей, художников в ней достаточно, но уже давно абсолютно свободно двигаюсь и разговоры в основном ведутся по поводу созданной работы.
Назови несколько весомых причин, из-за которых стоит заниматься современным искусством.
Для меня существует только одна причина – если очень хочется, то это того стоит.
Расскажи о практике в арт-резиденциях. Как формируется процесс взаимодействия с институциями и что нового ты извлекла для себя из этого опыта?
Я участвовала всего в двух резиденциях. Только сейчас, когда времени стало крайне мало в связи с рождением ребенка, задумалась, почему не была активна в этой сфере. Я двигалась медленно и осторожно – наверное, так было комфортнее.
Сейчас у меня в планах большие задумки и желание ездить больше. Но подобрать резиденцию крайне сложно, ведь я с ребенком и далеко не каждая институция предусматривает условия для пребывания художников с детьми.
Однозначно, присутствие в резиденции может помочь в знакомстве с местным контекстом, но чаще художники сами становятся исследователями, ведь резиденция — это как добровольная ссылка со стипендией, где художник попадает в новый, незнакомый контекст. Безусловно, все неизученное будоражит и запускает интересные творческие процессы, результатом которых могут стать новые работы. Не исключено, что пребывание в резиденциях подталкивает к реализации старых задумок, которые приобретают необходимые формы для создания художественных объектов.
Первая моя резиденция была в галерее Arsenal (Белосток, 2013 год). Тогда, собственно, появилась идея проекта “Декларации о намерении и сомнении”. В 2018 я была уже с дочкой в резиденции Mestna galerija Ljubljana (Любляна). Там я смогла встретиться и пообщаться с местными художниками – как молодыми, так и уже попавшими в историю искусства.
Резиденции помогают создать сеть двухсторонних профессиональных связей – это важно как для приглашающей стороны, так и для резидентов. Обычно в конце арт-резиденции художники с институцией работают над созданием совместных проектов. Бывает и наоборот – многие институции обходятся без отчетных выставок.
Ты обладательница большого количества арт-премий. Что меняется в жизни художника после победы? Становишься ли ты более ответственной художницей в своем творчестве?
Ответственность либо есть, либо вовсе отсутствует. Скорее после победы в премиях появляется больше разных возможностей.
Влияли ли на формирование твоего мнения в понимании современного искусства проекты, представленные на премиях? Если да, то какие и почему?
На последней выставке Future Generation Art Prize в PinchukArtCentre мне были ближе работы, которые говорили о логике ощущений, потому что этот вопрос сейчас меня тоже волнует. На этой же выставке в арт-центре мне импонировал проект Габриэль Голаят “Эта песня – для…”. Он об эмпатии. Работа рассказывает о травматическом – изнасиловании. С помощью приема повторения художница погружает зрителя в медитативное состояние, из которого не хочется выходить. В какой-то момент становится невыносимо от осознания того, как тяжело музыкантам на видео было проигрывать и петь одну и ту же фразу, – хотелось, чтобы эти муки скорее прекратились. Одновременно хрупкость и сила жеста появляются в той работе, где художники сопоставляют себя с тем, о чем непосредственно говорят. Сейчас мне ближе всего такое искусство.
Как тебе видится будущее премий и какая их основная миссия? Не кажется ли тебе, что это похоже на соревнования или некое подобие "фабрики звезд", где факт победы бывает заметнее, чем, собственно, сам проект победителя?
О "фабрике звезд" говорят и пишут те, кто не хочет разглядеть за списками имен самих произведений. Премии останутся, их, возможно, станет еще больше, но все это не имеет смысла, если у художников не будет долгосрочной институциональной поддержки. Премия – это о выборе и расстановке важного в искусстве в данный период, но профессиональное выживание премиями не обеспечивается.
Чаще всего соискатели не до конца понимают, какие возможности появляются после участия, а тем более победы, в премиях. Как, по твоему мнению, может развиться творческая карьера победителей национальной Премии PinchukArtCentre и Future Generation Art Prize?
Соискатели, я уверена, понимают, зачем им победа. Победа дает целый веер возможностей, и каждый берет то, что важно именно сейчас: уверенность, деньги, популярность, новые знакомства, бюджет для реализации сложной работы и т. д.
Очень по-разному может развиться или не развиться карьера. Победа в отдельном конкурсе не всегда бывает ключом к долгосрочному успеху.
Что бы ты настоятельно посоветовала из практичного украинским художникам, которые будут подавать заявку на соискание Премии PinchukArtCentre в этом году?
Я советую создать собственный сайт или хотя бы публичный pdf из работ и биографии. Кроме внешней видимости, это поможет посмотреть на собственную практику со стороны. То, что это будет выставлено на всеобщее обозрение, поможет более критично оценить движение в творчестве. Архив собственных работ и проектов очень важен в первую очередь художнику, ведь там уже есть целая история, нужно смелее на нее смотреть и искать там вдохновение.
Над съемкой работали:
Фотограф: Jamila Di
Стилисты: Анна Гончарова, Анастасия Яценко
Прическа и макияж: Анастасия Леонова
Продюсер: Диана Мельникова
Образ героини: Przhonskaya
Читайте также: Художница Ксения Гнилицкая: "Реализм — это постоянная борьба, которая никогда не прекратится"